Фотографија: Со учтивост Натуристориски музеј

Вашата скулптура од историјата на уметноста, оваа мала фигурина со висина од нешто повеќе од четири инчи е откриена во Австрија во 1908 година. Никој не знае каква функција служела, но претпоставките се движеле од божица на плодноста до помош за мастурбација. Некои научници сугерираат дека тоа можеби е автопортрет направен од жена. Тоа е најпознатиот од многуте такви предмети кои датираат од старото камено доба.

Фотографија: со учтивост CC/Wiki Media/Филип Пикарт

Овој портрет е симбол на женската убавина откако за прв пат беше откриен во 1912 година во урнатините на Амарна, главниот град изграден од најконтроверзниот фараон од историјата на древната Египет: Ахнатон. Животот на неговата кралица, Нефертити, е нешто мистериозно: се смета дека таа владеела како фараон некое време по смртта на Ехнатон - или поверојатно, како ко-регент на момчето крал Тутанкамон. Некои египтолози веруваат дека таа всушност била мајка на Тут. Се смета дека оваа биста од варовник обложена со штуко е дело на Тутмос, дворскиот скулптор на Ехнатон.

Фотографија: Со учтивост CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Откриена во 1974 година, Теракотната армија е огромно складиште од глинени статуи закопани во три масивни јами во близина на гробницата на Ши Хуанг, првиот кинески цар, кој починал во 210 година п.н.е. Со цел да го заштити во задгробниот живот, Армијата според некои проценки брои повеќе од 8.000 војници заедно со 670 коњи и 130 коли. Секој од нив е во природна големина, иако вистинската висина варира според воениот чин.

Фотографија: со учтивост CC/Wiki Media/LivioAndronico

Можеби најпознатата скулптура од римската антика,Лаокоон и неговите синовипрвично беше откопана во Рим во 1506 година и преместена во Ватикан, каде што престојува до ден-денес. Се заснова на митот за тројански свештеник убиен заедно со неговите синови од морските змии испратени од морскиот бог Посејдон како одмазда за обидот на Лаокоон да ја разоткрие измамата на Тројанскиот коњ. Првично поставена во палатата на императорот Тит, оваа фигуративна групација во природна големина, која им се припишува на трио грчки скулптори од островот Родос, е незаменлива како студија за човечкото страдање.

Фотографија: со учтивост CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Едно од најкултните дела во целата историја на уметноста, Давид на Микеланџело го има своето потекло во поголем проект за украсување на потпорите на големата катедрала во Фиренца, Дуомо, со група фигури земени од Стариот завет. НаДејвидбеше еден, а всушност започна во 1464 година од Агостино ди Дучио. Во текот на следните две години, Агостино успеа да ископа дел од огромниот блок од мермер издлабен од познатиот каменолом во Карара пред да застане во 1466 година. (Никој не знае зошто.) Друг уметник го зеде олабавувањето, но тој, исто така, само работеше на тоа накратко. Мермерот останал недопрен во следните 25 години, додека Микеланџело не продолжил да го резба во 1501 година. Тогаш имал 26 години. Кога заврши, Давид тежеше шест тони, што значи дека не можеше да се подигне на покривот на катедралата. Наместо тоа, беше изложен веднаш надвор до влезот во Палацо Векио, градското собрание на Фиренца. Фигурата, една од најчистите дестилации на стилот на високата ренесанса, веднаш беше прифатена од фирентинската јавност како симбол на отпорот на самиот град-држава против силите што се наредени против неа. Во 1873 година, наДејвидбеше преместена во галеријата Accademia и беше инсталирана реплика на нејзината оригинална локација.

Фотографија: со учтивост CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Признаен како основоположник на високоримскиот барокен стил, Џан Лоренцо Бернини го создаде ова ремек дело за капела во црквата Санта Марија дела Виторија. Барокот бил нераскинливо поврзан со контрареформацијата преку која Католичката црква се обидела да го запре бранот протестантизам кој се проширува низ Европа во 17 век. Уметничките дела како она на Бернини беа дел од програмата за реафирмирање на папската догма, добро сервирана овде од генијот на Бернини за задоволување на религиозните сцени со драматични наративи.Екстазае пример: Нејзината тема - Света Тереза ​​од Авила, шпанска кармелитска калуѓерка и мистик која напишала за нејзината средба со ангел - е прикажан токму во моментот кога ангелот треба да фрли стрела во нејзиното срце.ЕкстазаЕротските призвуки на калуѓерката се непогрешливи, најочигледно во оргазмичното изразување на калуѓерката и извивачката ткаенина што ги обвиткува двете фигури. Архитект како и уметник, Бернини, исто така, ја дизајнираше поставката на капелата во мермер, штуко и боја.

Фотографија: учтивост Метрополитен музеј на уметност/Флечер фонд

Италијанскиот уметник Антонио Канова (1757–1822) се смета за најголемиот скулптор на 18 век. Неговото дело го олицетворува нео-класичниот стил, како што можете да видите во неговата изведба во мермер на грчкиот митски херој Персеј. Канова всушност направи две верзии на делото: едната престојува во Ватикан во Рим, додека другата стои во Европскиот скулптурен суд на Метрополитен музејот на уметноста.

Фотографија: Метрополитен музеј на уметноста

Додека импресионистичкиот мајстор Едгар Дега е најпознат како сликар, тој исто така работеше и скулптура, создавајќи го она што беше веројатно најрадикалниот напор во неговиот опус. Дегаски стилМалиот четиринаесетгодишен танчерод восок (од кој беа излеани следните бронзени копии по неговата смрт во 1917 година), но фактот што Дега го облече истоимениот субјект во вистински балетски костим (комплет со елече, туту и ​​влечки) и перика од вистинска коса предизвика сензација когаТанчеркадебитираше на Шестата импресионистичка изложба од 1881 година во Париз. Дега избра да ги покрие повеќето од неговите украси со восок за да одговара на останатите карактеристики на девојчето, но тој ги задржа тутуто, како и лентата што ја врзуваше нејзината коса, како што беа, со што фигурата стана еден од првите примери на пронајден предмет. уметност.Танчеркабеше единствената скулптура што Дега ја изложил во својот живот; по неговата смрт, во неговото студио биле пронајдени уште 156 примероци.

Фотографија: Музеј на уметност во Филаделфија

Додека повеќето луѓе го поврзуваат големиот француски скулптор Огист Роден соМислителот, овој ансамбл кој комеморира инцидент за време на Стогодишната војна (1337–1453) меѓу Британија и Франција е поважен за историјата на скулптурата. Нарачан за парк во градот Кале (каде што едногодишната опсада на Англичаните во 1346 година била укината кога шест градски старешини се понудиле на егзекуција во замена за поштеда на населението),Бургериго избегнуваше форматот типичен за спомениците во тоа време: наместо фигури изолирани или натрупани во пирамида на висок пиедестал, Роден ги состави своите предмети во природна големина директно на земја, на ниво со гледачот. Овој радикален потег кон реализам го прекина херојскиот третман што вообичаено им се доделува на таквите дела на отворено. СоБургери, Роден направи еден од првите чекори кон модерната скулптура.

Фотографија: со учтивост CC/Flickr/Wally Gobetz

Во 1912 година, Пикасо создаде картонска макета од парче што ќе има големо влијание врз уметноста од 20 век. Исто така, во колекцијата на MoMA, таа прикажува гитара, тема која Пикасо често ја истражува во сликарството и колажот, и во многу аспекти,Гитарапренесени техники за сечење и залепување на колаж од две димензии на три. Истото го направи и за кубизмот, со составување рамни форми за да се создаде повеќеслојна форма и со длабочина и со волумен. Иновацијата на Пикасо беше да го избегне конвенционалното резбање и моделирање на скулптура од цврста маса. Наместо тоа,Гитарабеше прицврстен заедно како конструкција. Оваа идеја ќе одекне од рускиот конструктивизам до минимализмот и пошироко. Две години по правењето наГитараво картон, Пикасо ја создаде оваа верзија во исечен калај

Фотографија: Метрополитен музеј на уметноста

Од неговите радикални почетоци до неговата конечна фашистичка инкарнација, италијанскиот футуризам го шокираше светот, но ниту едно дело не го илустрираше чистиот делириум на движењето како оваа скулптура на една од нејзините водечки светла: Умберто Бочони. Почнувајќи како сликар, Бочиони се сврте кон работа во три димензии по патувањето во Париз во 1913 година, во кое ги обиколи студијата на неколку авангардни скулптори од тој период, како Константин Бранкузи, Рејмонд Дишан-Вилон и Александар Архипенко. Бочиони ги синтетизираше нивните идеи во ова динамично ремек дело, кое прикажува газичка фигура поставена во „синтетички континуитет“ на движење како што го опиша Бочони. Делото првично беше создадено во гипс и не беше излеано во неговата позната бронзена верзија до 1931 година, многу по смртта на уметникот во 1916 година како член на италијанскиот артилериски полк за време на Првата светска војна.

Фотографија: со учтивост CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Роден во Романија, Бранкуси беше еден од најважните скулптори на модернизмот на почетокот на 20 век - и навистина, една од најважните фигури во целата историја на скулптурата. Еден вид прото-минималистички, Бранкуси земал форми од природата и ги рационализирал во апстрактни претстави. Неговиот стил беше под влијание на народната уметност на неговата татковина, која честопати прикажуваше живописни геометриски обрасци и стилизирани мотиви. Тој, исто така, не направи разлика помеѓу објектот и основата, третирајќи ги, во одредени случаи, како заменливи компоненти - пристап што претставува клучен прекин со скулптурните традиции. Ова иконо парче е портрет на неговата манекенка и љубовница, Маргит Погани, унгарска студентка по уметност што ја запознал во Париз во 1910 година. Првата итерација била издлабена во мермер, а потоа и гипсена копија од која била направена оваа бронза. Самиот малтер беше изложен во Њујорк на легендарниот саем за оружје во 1913 година, каде што критичарите го исмеваа и го нагрдуваа. Но, тоа беше и најрепродуцираното парче во шоуто. Бранкузи работеше на различни верзии наМле Поганиза околу 20 години.

Фотографија: со учтивост Музејот на модерна уметност

Велосипедско тркалосе смета за прв од револуционерните редимејди на Дишан. Меѓутоа, кога го заврши делото во неговото студио во Париз, навистина немаше поим како да го нарече. „Имав среќна идеја да прицврстам велосипедско тркало на кујнска столица и да го гледам како се врти“, рече подоцна Дишан. На Дишан му беше потребно патување во Њујорк во 1915 година и изложување на огромното производство на фабрички произведени стоки во градот. Уште поважно, тој почна да гледа дека правењето уметност на традиционален, рачно изработен начин изгледаше бесмислено во индустриската ера. Зошто да се мачам, постави тој, кога широко достапните произведени артикли би можеле да ја завршат работата. За Дишан, идејата зад уметничкото дело беше поважна отколку како е направено. Овој поим - можеби првиот вистински пример на Концептуална уметност - целосно ќе ја трансформира историјата на уметноста напред. Слично како обичен предмет за домаќинство, сепак, оригиналотВелосипедско тркалоне преживеа: оваа верзија е всушност реплика која датира од 1951 година.

Фотографија: Музеј на американската уметност Витни, © 2019 Фондација Калдер, Њујорк/Друштво за права на уметници (АРС), Њујорк

Омилено парче од постојаната колекција на музејот Витни,Калдеровиот циркусја дестилира разиграната суштина што Александар Калдер (1898–1976) ја донесе како уметник кој помогна да се обликува 20-та скулптура.Циркус, кој беше создаден за време на времето на уметникот во Париз, беше помалку апстрактен од неговите висечки „мобилни“, но на свој начин беше исто толку кинетички: направен првенствено од жица и дрво,Циркусслужел како централен дел за импровизациските изведби, во кои Калдер се движел околу различни фигури кои прикажуваат конторционисти, голтачи на мечеви, скротувачи на лавови итн., како божји ринг мајстор.

Фотографија: учтивост Музејот на Џ. Пол Гети

Како сликар и дизајнер на таписерија, како и скулптор, францускиот уметник Аристид Мајол (1861–1944) најдобро би можел да се опише како модерен неокласицист кој направил насочување на традиционалните грчко-римски статуи од 20 век. Тој, исто така, може да се опише како радикален конзервативец, иако треба да се запомни дека дури и авангардните современици како Пикасо произведувале дела во адаптација на нео-класичниот стил по Првата светска војна. Темата на Мајол била женската гола, а воL'Air, тој создаде контраст помеѓу материјалната маса на неговиот субјект и начинот на кој таа се чини дека лебди во вселената - балансирајќи, како да се каже, непристојната физикалност со евидентно присуство.

Фотографија: со учтивост CC/Flickr/C-Monster

Јапонска уметничка која работи во повеќе медиуми, Кусама дојде во Њујорк во 1957 година, враќајќи се во Јапонија во 1972 година. и Performance Art. Како жена уметник која честопати се осврнуваше на женската сексуалност, таа исто така беше претходник на феминистичката уметност. Работата на Кусама често се карактеризира со халуциногени обрасци и повторувања на форми, склоност вкоренети во одредени психолошки состојби - халуцинации, OCD - таа страда уште од детството. Сите овие аспекти на уметноста и животот на Кусума се рефлектирани во ова дело, во кое обичната, тапацирана лежалка е вознемирено опфатена со избувнување на фалични испакнатини слични на чума, направени од сошиена полирана ткаенина.

Фотографија: Музеј на американската уметност Витни, Њујорк, © 2019 Estate of Marisol/ Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), Њујорк

Позната едноставно по нејзиното име, Марисол Ескобар (1930–2016) е родена во Париз од родители Венецуела. Како уметник, таа се поврзува со поп-арт, а подоцна и со оп-арт, иако стилски, таа не припаѓаше на ниту една група. Наместо тоа, таа создаде фигуративни табели кои беа наменети како феминистички сатира за родови улоги, славна личност и богатство. ВоЖени и кучетаа ја презема објективизацијата на жените и начинот на кој машките наметнати стандарди на женственост се користат за да ги принудат да се усогласат.

Фотографија: со учтивост CC/Flickr/Rocor

Кутијата Брило е можеби најпознатата од серијата скулпторски дела што Ворхол ги создал во средината на 60-тите години, што ефективно ја презеде неговата истрага за поп културата во три димензии. Верно на името што Ворхол му го дал на своето студио - Фабриката - уметникот ангажирал столари да работат еден вид монтажна лента, заковувајќи дрвени кутии во облик на картони за различни производи, вклучувајќи ги Хајнц кечап, Келогс корн флекс и супа од Кембел. добро Brillo сапун влошки. Потоа ја обоил секоја кутија во боја што одговара на оригиналот (бела во случајот Брило) пред да ги додаде името на производот и логото во свилен екран. Создадени во повеќекратни, кутиите честопати беа прикажани во големи купови, ефикасно претворајќи ја секоја галерија во која се наоѓаа во висококултурен факсимил на магацин. Нивната форма и сериско производство беа можеби знак на - или пародија на - тогаш зародишот минималистички стил. Но, вистинската поента наБрило кутијае како неговото приближување до реалното ги поткопува уметничките конвенции, со тоа што имплицира дека нема вистинска разлика помеѓу произведените производи и работата од студиото на уметникот.

Фотографија: со учтивост CC/Flickr/Естер Вестервелд

Името на Доналд Џад е синоним за Minimal Art, движењето од средината на 60-тите што го дестилираше рационалистичкиот напор на модернизмот до основните нешта. За Џад, скулптурата значеше артикулирање на конкретното присуство на делото во просторот. Оваа идеја беше опишана со терминот „специфичен објект“ и додека другите минималисти ја прифатија, Џад веројатно ѝ дал на идејата најчист израз со усвојување на кутијата како форма на потпис. Како Ворхол, тој ги произведе како повторувачки единици, користејќи материјали и методи позајмени од индустриско производство. За разлика од конзервите за супа на Ворхол и Мерилинс, уметноста на Џад не се однесуваше на ништо надвор од себе. Неговите „купови“ се меѓу неговите најпознати парчиња. Секоја се состои од група идентично плитки кутии изработени од поцинкуван лим, кои излегуваат од ѕидот за да создадат колона од рамномерно распоредени елементи. Но, Џад, кој започна како сликар, беше заинтересиран за бојата и текстурата исто како и за формата, како што се гледа овде од зелениот лак за автоматско тело нанесен на предната страна на секоја кутија. Интеракцијата на Џад на боја и материјал даваБез наслов (Стак)пребирлива елеганција што го омекнува нејзиниот апстрактен апсолутизам.

Фотографија: со учтивост CC/Flickr/Rocor

Како и Бенглис, Хесе беше жена уметник која го филтрира постминимализмот низ веројатно феминистичка призма. Еврејка која избегала од нацистичка Германија како дете, таа ги истражувала органските форми, создавајќи парчиња од индустриски фиберглас, латекс и јаже што предизвикуваат кожа или месо, гениталии и други делови од телото. Со оглед на нејзиното потекло, примамливо е да се најде траума или анксиозност во дела како што е ова.

Фотографија: со учтивост Музејот на модерна уметност

Следејќи ги Џад и Флавин, група уметници ја напуштија естетиката на минимализмот на чисти линии. Како дел од оваа постминималистичка генерација, Ричард Сера го стави концептот на специфичниот објект на стероиди, значително зголемувајќи ја неговата скала и тежина и правејќи ги законите на гравитацијата составен дел на идејата. Тој создал несигурни балансирачки акти од челични или оловни плочи и цевки со тежина од тони, што имало ефект на давање чувство на закана за работата. (Во два наврати, механизмите што инсталираа парчиња Serra беа убиени или осакатени кога работата случајно пропадна.) Во последниве децении, работата на Сера усвои кривилинеарна префинетост што ја направи огромна популарност, но во почетокот, работи како One Ton Prop (House на Карти), на кој има четири оловни плочи навалени заедно, со брутална директност ја соопштуваше неговата загриженост.

Фотографија: со учтивост CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Следејќи го општиот контракултурен тренд во текот на 1960-тите и 1970-тите, уметниците почнаа да се бунтуваат против комерцијализмот на светот на галериите, развивајќи радикално нови уметнички форми како земјените работи. Исто така познат како land art, водечка фигура на жанрот беше Роберт Смитсон (1938–1973), кој, заедно со уметници како Мајкл Хајзер, Валтер Де Марија и Џејмс Турел, се впушти во пустините на западниот дел на Соединетите Американски Држави за да создаде монументални дела кои дејствувале во склад со нивната околина. Овој пристап специфичен за локацијата, како што се нарекуваше, често користеше материјали земени директно од пејзажот. Таков е случајот со СмитсонСпирална дига, кој се пробива во Големото Солено Езеро во Јута од Розел Поинт на североисточниот брег на езерото. Направено од кал, кристали на сол и базалт извлечен на лице место,Мерки на спирален брег1.500 на 15 стапки. Беше потопен под езерото со децении додека сушата во почетокот на 2000-тите повторно не го донесе на површината. Во 2017 година,Спирална дигабеше прогласен за официјално уметничко дело на Јута.

Фотографија: со учтивост CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Пјер Метивие

Дело со потпис на уметникот роден во Франција,Пајакбеше создаден во средината на 1990-тите кога Буржоа (1911-2010) веќе беше во осумдесеттите години. Таа постои во бројни верзии од различен обем, вклучувајќи и некои кои се монументални.Пајаке наменета како почит на мајката на уметникот, реставратор на таписерија (оттука и алузијата на склоноста на пајаковидните мрежи да се вртат).

Shutterstock

Добитник на престижната Тарнерова награда во 1994 година, Ентони Гормли е еден од најпознатите современи скулптори во ОК, но тој е познат и во светот по неговиот уникатен поглед на фигуративната уметност, онаа во која се засноваат широки варијации во обемот и стилот. во најголем дел, на истиот шаблон: Аксија од сопственото тело на уметникот. Тоа е точно за овој огромен споменик со крила лоциран во близина на градот Гејтсхед во североисточна Англија. Сместено покрај главниот автопат,Ангелсе издигнува до 66 стапки во висина и се протега 177 стапки во ширина од врвот на крилото до врвот на крилото. Според Гормли, делото е замислено како еден вид симболичен маркер помеѓу индустриското минато на Британија (скулптурата се наоѓа во англиската земја на јаглен, срцето на Индустриската револуција) и нејзината постиндустриска иднина.

Со учтивост CC/Flickr/Ричард Хау

Чикаговците љубезно го нарекуваат „Грав“ поради неговата свиткана елипсоидна форма,Облачна порта, Јавното уметничко дело на Аниш Капур за Милениумскиот парк на Вториот град, е и уметничко дело и архитектура, обезбедувајќи свода подготвена за Инстаграм за неделните колички и другите посетители на паркот. Изработен од челик со огледало,Облачна портаРефлексивноста и големите размери на забавната куќа го прават најпознатото дело на Капур.

Со учтивост на уметникот и Грин Нафтали, Њујорк

Работата на Рејчел Харисон комбинира совршен формализам со вештина за впивање на навидум апстрактни елементи со повеќе значења, вклучително и политичко. Таа жестоко ја доведува во прашање монументалноста и машкиот прерогатив што оди со него. Харисон го создава најголемиот дел од своите скулптури со натрупување и распоредување на блокови или плочи од стиропор, пред да ги покрие во комбинација од цемент и сликарски цвета. Црешата на врвот е некој вид пронајден предмет, или сам или во комбинација со други. Најдобар пример е овој манекен на издолжена форма, испрскана со боја. Носејќи наметка и маска на Абрахам Линколн свртен наназад, делото ја испраќа теоријата на историјата на големиот човек со евокација на освојувачот на античкиот свет кој стои висок на карпа во боја на кловн..